Kuratoren verbinden Künstler und Publikum. Sie übersetzen die Werke visionärer Maler, Bildhauer, Filmemacher, Fotografen und Darsteller in Präsentationen, die den Betrachter bewegen und inspirieren. Die Macht der Kuratoren liegt in ihrer Fähigkeit, auszuwählen, welche kreativen Menschen und Projekte sie in Museen, Biennalen, Galerien und unabhängigen Ausstellungsräumen fördern möchten.
Die folgenden 16 Kuratoren, alle 35 Jahre oder jünger, bringen neue, tausendjährige Perspektiven in eine globale Liste von Institutionen und Programmen. Ihre Motive verzerren die Politik: Sie zielen darauf ab, Kunst durch unterrepräsentierte Persönlichkeiten und Minderheiten zu fördern. Sie schätzen transdisziplinäre Praktiken und Kunst, die die Kunstwelt selbst kritisieren. Insgesamt gestalten sie die Zukunft der Kunst auf der ganzen Welt.
Anfang 2019 füllte Jessica Bell Brown das Gracie Mansion – New Yorks offizielle Bürgermeisterresidenz – mit Möbeln, Gemälden, Skulpturen, Zeichnungen und Fotografien von Künstlerinnen, die sich ausweisen. Die Ausstellung „Sie bleibt bestehen: Ein Jahrhundert Künstlerinnen in New York“ zeigte Arbeiten von 44 Künstlern und Kollektiven mit Verbindungen zur Stadt, die zwischen 1919 und 2019 entstanden sindAlice Neel
Porträt in einem schicken Esszimmer montiert, ein unheimliches Kara Walker
Skulptur am Eingang des Hauses und Puppen der Mutter von New Yorks First Lady Chirlane McCray.
Vor dem Abschluss dieses triumphalen Projekts gab das Baltimore Museum of Art (BMA) im Oktober 2019 bekannt, dass es Brown engagiert hatte. Die Präsenz der Kuratorin ist jedoch immer noch in New York zu spüren: Anfang März eröffnete sie im Gracie Mansion eine weitere Ausstellung mit dem Titel „Catalyst: Art and Social Justice“. Dieses Mal umfasst Browns Kader angesehene Künstler wieJeffrey Gibson
, Gordon Parks
, und Nari Ward
sowie die weniger bekannten Devra Freelander
, ein junger Künstler, der letztes Jahr beim Radfahren in Bushwick getötet wurde.
Brown arbeitete zuvor im Museum of Modern Art . Während ihres Aufenthalts in Recess, einem experimentellen Projektraum in Brooklyn, war sie Mitbegründerin des kuratorischen Projekts Black Art Incubator. Sie sagte, sie betrachte die Kuration als „einen Akt der Sorgfalt gegenüber Ideen, Geschichten, Objekten und – was am wichtigsten ist – Künstlern.“ Sie setzt sich für Vielfalt, künstlerisches Experimentieren und radikale Neuinterpretationen der Kunstgeschichte ein. Obwohl sie noch nicht ausführlich über ihre bevorstehenden Projekte am BMA sprechen kann, gab Brown Artsy ein paar Hinweise: „Eine ist eine Einzelpräsentation eines anerkannten amerikanischen Künstlers“, während die zweite „ein großer Auftrag und ein interdisziplinäres Forschungsprojekt“ ist fokussiert zeitgenössische Kunst als Linse auf Geschichte, Herkunft und Selbstbestimmung. “
Giulia Colletti, Co-Kuratorin der 19. Biennale junger Künstler aus Europa und dem Mittelmeerraum (Eröffnung später in diesem Jahr in der Republik San Marino), bevorzugt Skepsis gegenüber Überzeugung in ihrer Arbeit. Inspiriert von der Philosophie von Theodor Adorno, glaubt Colletti, dass „Kunst die Unsicherheit jeder Form von konstituiertem Wissen erkennen muss“. Mit anderen Worten, sie ist ein Fan von Kunst, die die Welt und die Institutionen um sie herum kritisiert.
2018 gewährte die Europäische Kulturstiftung Colletti ein Stipendium zur Erforschung der armenischen Revolution. Zusammen mit einem Mitarbeiter, dem Künstler Ross Little, konzentrierte sie sich auf Proteststrategien.
In Anbetracht der Idee des „Palimpsest“ oder etwas, das Spuren früherer Arbeiten aufweist (eine Manuskriptseite, deren Schrift halb gelöscht und dann beispielsweise überschrieben wird), überdenkt Colletti die vielschichtigen Subjektivitäten der europäischen Geschichte. Dies sei in Collettis Heimatland Italien noch dringlicher, wo die „koloniale Vergangenheit nie gründlich überarbeitet worden sei“.
Im April letzten Jahres kündigte die Internationale Biennale für zeitgenössische Kunst in Riga Rebecca Lamarche-Vadel als Chefkuratorin ihrer Ausgabe 2020 an. Die Hauptauszeichnung folgte einer Reihe ehrgeiziger Projekte im Palais de Tokyo , wo Lamarche-Vadel von 2012 bis 2019 arbeitete. Sie kuratierteMarguerite Humeau
Die erste große Einzelausstellung im Pariser Museum im Jahr 2016, im selben Jahr, in dem sie „Carte Blanche to Tino Sehgal“ organisierte. Sie nannte diese Show die „größte Live-Kunstausstellung, die jemals realisiert wurde, mit 400 Darstellern, die innerhalb von 12 Wochen auf dem leeren 13.000 Quadratmeter großen Raum leben“. Ihre 2018 Präsentation vonTomás Saraceno
Die Arbeit wurde zur meistbesuchten Ausstellung in der Geschichte des Museums.
Die Rigaer Biennale wird, wie so viele große globale Kunstveranstaltungen, auf unbestimmte Zeit verschoben. Vielleicht findet Lamarche-Vadel kreative Wege, um über die jüngsten Entwicklungen und Traumata nachzudenken. Schließlich sei sie „davon überzeugt, dass Kunst und Schöpfung in Zeiten beispielloser Umwälzungen alternative Perspektiven bieten können“. Sie glaubt, dass Künstler „Leitfäden für neue Sicht-, Gefühls- und Wahrnehmungsweisen der Welt“ sind. Wenn die Kunstwelt in ihren Zustand vor der Quarantäne zurückkehrt, kann Lamarche-Vadel die „Momente der Begegnung“ zwischen Kunstwerken und Zuschauern schaffen, die ihrer Arbeit einen Sinn geben.
Qu Changs kuratorische Arbeit untersucht häufig Migration, Besessenheit und Zusammengehörigkeit. In „Adrift: Er / Sie kommt aus Shanghai“ bei OCAT Shenzhen im Jahr 2016 integrierte sie Multimedia-Arbeiten von Künstlern wieCheng Ran
, Karel Koplimets und Li Liao
das berücksichtigte die unterschiedlichen Versprechen und Realitäten der Migration. „Crush“ (2018) in Hongkongs angesagtem Para Site -Bereich, in dem sie seit 2016 Mitarbeiterin ist, erkundete die schäbigen und gewalttätigen Dimensionen der Romantik. Letztes Jahr kuratierte Qu am Para Site das „Café do Brasil“, inspiriert vom Restaurant in Hongkong, das in den 1960er und 1970er Jahren ein wichtiger Treffpunkt für Kulturschaffende war. Qu hoffte, diesen kollektiven Geist mit Werken von Künstlern aus Hongkong und dem chinesischen Festland zu überdenken.
Sie glaubt, dass visuelle Kunst die Kraft hat, ein radikaleres Verständnis der Welt zu erzeugen – und vielleicht selbst radikales Handeln.
In ihren bevorstehenden Projekten sagte Qu, sie werde sich genauer auf die „Kunstpraktiken und den soziohistorischen Kontext in Canton und Hongkong konzentrieren, einer Region, in der ich meine Wurzeln immer tiefer gewachsen bin“. Obwohl sie vom chinesischen Festland stammt, haben Qus Kollegen von Para Site ihr geholfen, Hongkong „in einem größeren kolonialen / postkolonialen Kontext“ zu verstehen.
Qu beschrieb ihre kuratorische Philosophie wie folgt: „Wie beim Schreiben und Lesen sehe ich das Kuratieren als ein weiteres Mittel, um sich zu unterhalten, zu lernen und zu unterscheiden.“ Sie glaubt, dass visuelle Kunst die Kraft hat, im Betrachter neue Assoziationen und einfallsreiche neue Ideen zu erzeugen, die zu einem radikaleren Verständnis der Welt führen – und vielleicht zu radikalem Handeln selbst.
Robert Wiesenberger sagte, er wolle Arbeiten von „aufstrebenden und globalen Künstlern in einer Institution präsentieren, die für ihren historischen, euroamerikanischen Fokus bekannt ist“. Zu diesem Zweck plant der Kurator die MontageLin May Saeed
’s erste Einzelausstellung im Museum, begleitet von ihrer ersten Monographie. Die deutsch-irakische Künstlerin konzentriert sich in ihrer Multimedia-Arbeit auf die Beziehung zwischen Mensch und Tier: Sie erfindet Geschichten und Dialoge und verbindet anthropomorphisierte Charaktere mit menschlichen Anliegen. (Wiesenberger, ein ehemaliger Kritiker an der Yale School of Art, wird im kommenden Herbst am Williams College-Graduiertenprogramm einen Kurs über das Tier in zeitgenössischer Kunst unterrichten.)
In der Ausstellung des Clark Art Institute „Lin May Saeed: Ankunft der Tiere“ werden Zeichnungen, Reliefs und Styropor-Skulpturen des Künstlers gezeigt. Letztendlich strebt der Künstler laut Wiesenberger eine „neue Ikonographie der Interspezies-Solidarität“ an. Das Clark bietet mit seinen Galerien auf Stone Hill auch einen idealen Veranstaltungsort. „Man kann durch den Wald gehen, um dorthin zu gelangen – und auf dem Weg echte Tiere treffen“, sagte Wiesenberger.
Der Kurator eröffnete kürzlich eine weitere Ausstellung mit dem Titel „Pia Camil: Velo Revelo“ der mexikanische Künstler

Pia Camil
Mexikaner, geb. 198
Folgen
Pia Camil takes inspiration from urban and industrial forms, reinterpreting them as handmade objects that recode the artist’s relationship to the city and notions of public space. The Mexico City-based artist began by photographing her native city, particularly the billboards that compose the visual fabric of the environment. From these hand-colored photographs, she moved toward textile-based and sculptural works, reducing the urban images to colors and geometric forms. The textile-based pieces approximate the architecture of the city, transforming the mass-produced, industrial landscape into a meticulous, handmade corollary. These works build on the legacy of Hélio Oiticica and Lygia Clark, as they are wearable and meant to engender new relationships between the artist, audience, and artwork.
Der großflächige Stoff funktioniert. Eine neue, ortsspezifische Kommission hängt einen 50 Fuß langen Vorhang aus Nylonstrumpfhosen über die Ausstellungshalle. Wiesenberger bemerkte, dass die Arbeiten „in unseren freien architektonischen Räumen atemberaubend aussehen“, während die Materialien „für den Clark unerwartet“ sind.
Ab 2012 brachte Ryan Dennis radikale Programme in Houstons Project Row Houses (PRH). Der Gemeinschaftsausstellungs- und Bildungsraum befindet sich im dritten Bezirk der Stadt, einem der ältesten afroamerikanischen Viertel. 2017 organisierte Dennis mit der Künstlerin „Project Row Houses: Runde 46: Schwarze Künstlerinnen für Black Lives Matter“Simone Leigh
. Eine Reihe angeschlossener Installationen lud Dutzende teilnehmender Künstler ein, ihre eigenen „Freuden- und Trauerflaggen“ zu kreieren, Filme und Performances anzusehen und an Treffen zu Themen teilzunehmen, die das Leben der Schwarzen in den USA beeinflussen. „Es war wichtig, dass diese Künstler sich versammeln und Platz für die Schmerzen halten, die aufgrund der Brutalität der Polizei im Land nachhallten“, sagte Dennis.
Bei PRH arbeitete Dennis auch mit dem in Houston ansässigen Kollektiv zusammen Otabenga Jones & Associates
einen mobilen Community-Radiosender zu montieren, der von einem 1959er rosa Cadillac Coupe de Ville ausgestrahlt wurde. Sie hat Werke mitgebrachtKevin Beasley
, Dem Black Mamas Podcast und Okwui Okpowasili ebenfalls auf der Website. „Meine kuratorischen Ziele entwickeln sich ständig weiter“, sagte Dennis und bemerkte, dass sie immer darauf abzielt, „Künstler der Farbe zu erheben“, die sich mit Ideen über soziale Gerechtigkeit beschäftigen. Sie sieht ihre Rolle als „Mitverschwörerin“, die Künstler abwechselnd herausfordert und unterstützt.
Dennis wird in den kommenden Monaten große Schritte unternehmen. Sie wurde kürzlich zum Leiter der kuratorischen Abteilung des Mississippi Museum of Art ernannt, eine Position, die sie im Juni dieses Jahres antreten wird. Sie wird auch ihr Abschlussprogramm bei Project Row Houses kuratieren und sich auf den Klimawandel konzentrieren. Zusammen mit Evan Garza organisiert sie die (jetzt verschobene) Texas Biennale mit.

Ruth Root, Installationsansicht im Carnegie Museum of Art, 2019. Foto von Bryan Conley. Mit freundlicher Genehmigung des Carnegie Museum of Art.
Die Carnegie Museum ‚s Hannah Turpin rethinks Kunstgeschichte durch eine queer Linse. Die Kuratorin sagte, sie sei besonders motiviert von Künstlern, die sich mit Fragen der Repräsentation, des persönlichen und historischen Revisionismus befassen. Zum Beispiel wird sie eine bevorstehende Einzelausstellung mit neuen Arbeiten des Fotografen zeigenElle Pérez
. „Pérez ‚Praxis basiert auf einer seltsamen Sensibilität für die Verbindung und Validierung ihrer Subjekte“, sagte Turpin. Für die Show wird sich der Künstler auf „das Vorhandensein von Intimität und individueller Entschlossenheit im Kontext des Sports“ konzentrieren.
Turpin arbeitete zuvor als Sammlungsassistent im Leslie-Lohman Museum für schwule und lesbische Kunst . Sie hat Foren zu Gemälden von organisiert
Ashley James, die von 2017 bis 2019 als stellvertretende Kuratorin für zeitgenössische Kunst im Brooklyn Museum tätig war, begann kürzlich eine neue Rolle im Guggenheim in New York und wurde die erste schwarze Kuratorin der Institution. Was reizt James am kuratorischen Feld? „Gen Z; junge Leute bekommen es “, sagte sie. Ihre eigene kuratorische Arbeit hat einen grenzüberschreitenden, vorausschauenden Ansatz gewählt. Ihre Ausstellung 2019 im Brooklyn Museum, „Eric N. Mack: Lass mich durch den Raum gehen“, stellte Mode und bildende Kunst gegenüber.Mack
drapierte gefärbte Textilien aller Formen und Größen in der Großen Halle des Museums. Während eines Performance-Abends lud Mack Künstler wie den Sänger MHYSA, den Dichter April Freely und die experimentellen Musiker Justin Allen und Devin Kenny ein, mit seiner Arbeit zu interagieren.
James war auch der leitende Kurator für die Wiederholung der gelobten Show 2018–19 „Seele einer Nation: Kunst im Zeitalter der schwarzen Macht“ durch das Brooklyn Museum. Die Ausstellung brachte schwarze Künstler einschließlichBarkley L. Hendricks
, Sam Gilliam
, Glaube Ringgold
, Betye Saar
, und der Spiralgruppe
in einen miteinander verbundenen Scheinwerfer.
Als nächstes wird James eine Präsentation neuer Arbeiten von mit kuratieren John Edmonds
später in diesem Jahr im Brooklyn Museum. Die Show, sagte sie, werde „Fragen der afrikanischen Diaspora (Kunst) Geschichte und Moderne, des Besitzes, des Verlangens und der Macht aufgreifen“. Ihr erster kuratorischer Ausflug im Guggenheim wird eine Zusammenarbeit mit Katherine Brinson sein, die eine Einzelpräsentation für den Gewinner des angesehenen Hugo Boss-Preises organisiert. Die starke Liste der Finalisten -Nairy Baghramian
, Kevin Beasley
, Deana Lawson
, Elias Sime
, Cecilia Vicuña
, und Adrián Villar Rojas
– verspricht eine faszinierende Show, egal wer der Sieger ist.
James sprach von ihren eigenen Ambitionen und bemerkte ihre Bewunderung für Kuratoren wie Kellie Jones, „die neue Kunstgeschichten in ihrer Ausstellung schreiben“.