Die Kontroverse hat es im Lauf der Zeit und der Gegenwartskunst immer wieder geschafft, Schritt zu halten. Zurückgehend auf den Beginn des kunsthistorischen Studiums finden sich Fälle sowohl von Einzelkünstlern als auch von Gruppen, die mit ihren innovativen Beiträgen zur Kunst der Gegenwart den künstlerischen Status quo gerockt haben. Das 20. Jahrhundert war keine Ausnahme.

Zeitgenössische Kunst hat einen Zweck. Der Zweck ist einfach, Ihre Umgebung mit Intrigen zu verschönern. Ok, aber warum zahlen die Leute so viel für etwas, das aussieht wie eine Leinwand mit etwas Farbe? Abstrakte Gemälde können tatsächlich sehr erschwinglich sein, wenn sie von einem aufstrebenden Künstler gekauft werden. Und ob Sie es glauben oder nicht, meistens gab es einen absichtlichen Versuch, wo diese Farbe auf der Leinwand landete. Das Schöne an abstrakter Kunst, sowohl für den Künstler als auch für den Betrachter, ist, dass jeder das, was er sieht, nehmen und interpretieren kann, wie er es für richtig hält.

Es gibt viele verschiedene Interpretationen von Contemoporary Art. Ein Künstler kann völlig unrepräsentativ sein oder erkennbare Formen und Symbole zaubern. In einem breiten Spektrum zeitgenössischer Kunst finden Sie Landschaften, Meerlandschaften, Naturobjekte sowie farbenfrohe Formen und Formen. Alles in allem tendieren abstrakte Gemälde dazu, sich stark auf Farbmuster und / oder Texturen zu konzentrieren. Heutzutage ist es angesichts der Fotografie, der digitalen Kunst und der Fähigkeit, Drucke zu erstellen, kein Wunder, dass Künstler versuchen, deutlich zu machen, dass das, was Sie auf der Leinwand sehen, tatsächlich mit einem persönlicheren menschlichen Element geschaffen wurde. Wie fragst du? Durch den Aufbau von Schichten aus Textur, Tiefe oder mithilfe einer Lasurtechnik, die Licht sammelt und umverteilt, wird die Farbe leuchtend.

Es macht so viel Freude, abstrakt zu malen, weil die Mauern starrer Vorurteile niedergerissen werden. Viele Künstler nutzen abstrakte Kunst, um Gefühle freizusetzen und um frei auszudrücken, was sie in der Natur gesehen haben. Wenn etwas in Geist und Spontanität getan wird, ist es offensichtlich und zeigt sich in der Arbeit. Der Zweck der zeitgenössischen Kunst ist es, diese Essenz einzufangen und diese Freude in das Leben anderer zu bringen.

Aber nicht jede zeitgenössische Kunst ist so unschuldig. Der Artikel beginnt mit den Worten des Mannes hinter der Ausstellung, die die größte Sensation der letzten Jahre verursacht hat. Worte, die darauf hindeuten, dass er mehr als nur eine Ahnung davon hatte, wie viel Aufregung danach kommen würde. Es scheint jedoch unplausibel, dass er das Ausmaß der Revolte vorweggenommen hätte. Genauer gesagt war Rosenthal nur einer der Männer hinter der Show; der andere war der Werbemogul und Kunstsammler Charles Saatchi.

Jenny Saville

Bei der Betrachtung des Ausstellungskatalogs ist es interessant, dass viele der insgesamt 42 Künstler bei weitem nicht „berüchtigt“ sind, und ihre Arbeit wird ihnen wahrscheinlich keine solche Auszeichnung bringen. Die Arbeiten umfassen eine bedeutende Anzahl von Gemälden, und während Jenny Savilles Arbeiten aufgrund ihres Verzichts auf Modelle konventioneller Schönheit eine Herausforderung darstellen mögen, wirken die klaren, kühnen und farbenfrohen Arbeiten von Gary Hume, dem britischen Vertreter auf der 48. Biennale von Venedig, positiv zahm . Anstelle von Tracey Emins Bett stand ihr Zelt, das mit den Namen aller ihrer Sexualpartner bestickt war: Jeder, mit dem ich je geschlafen habe, zwischen 1963 und 1995. Die offensichtliche Kunstfertigkeit des Stücks rettet es nicht vor den Kritikern der Ausstellung und der zeitgenössischen Kunst, deren bevorzugtes Argument die Frage ist, ob solche Werke „Verdienst“ sind.

Das Crescendo beginnt mit dem deutlich quälenden Dead Dad (1996-97) von Ron Mueck, einem unheimlich lebensechten, am Boden liegenden Silikonmodell, und Self (1991) von Marc Quinn – einer Plexiglas-Skulptur des Künstlerkopfes, gefüllt mit seinem eigenen Blut und in einem Kühlschrank ausgestellt, was in der Tradition der Surrealisten stört. Und dann erreichen wir die Chapman-Brüder und Damien Hirst. Die von Jake und Dinos Chapman favorisierte Schocktaktik wird von ihren Kritikern als kindisch und kindisch eingestuft. Great Deeds against the Dead (1994) beschert uns Verstümmelung und Kastration, während Ubermensch (1995) mit dem Modell des Wissenschaftlers Stephen Hawking, der im Rollstuhl vom Rand einer Klippe stürzen will, Grausamkeit und Unempfindlichkeit gegenüber politischer Korrektheit bevorzugt Zygotische Beschleunigung, biogenetische, De-sublimiertes libidinöses Modell (Vergrößert x 1000) (1995) und Tragische Anatomien (1995) zeigen genetische Freaks, die aus zusammengewachsenen Mädchen-Mannequins bestehen, viele mit der typischen Phallus-Nase und dem Rektum-Mund von Chapmans. Damien Hirst wurde in Großbritannien für seine Praxis, tote Tiere zu zerschneiden und in Formaldehyd zu konservieren, als er 1995 den Turner-Preis erhielt, umstritten und berühmt. Mehrere dieser Werke wurden in der Ausstellung gezeigt, darunter das vielleicht berühmteste Exemplar, der Hai. mit dem Titel The Physical Impossibility of Death in den Köpfen von jemandem, der lebt (1991).

Einige dieser Werke lösten Kontroversen aus, aber es waren tatsächlich zwei andere Werke verschiedener Künstler in London und New York, die den größten Aufruhr verursachten.

In London war es ein Gemälde von Marcus Harvey, eine monochrome Leinwand mit dem Titel MH (1996-98). Das Bild, das sich aus Drucken eines Gipsabdrucks einer Kinderhand zusammensetzt, zeigt die berüchtigte inhaftierte Kindermörderin Myra Hindley. Die Arbeit wurde zum Thema einer heftigen Boulevardkampagne, in der eine Zeitung die Mutter eines Opfers von Hindley für die Teilnahme an der Show bezahlte. Den Medien gelang es, einen Rausch zu schüren, und ein Mitglied der Öffentlichkeit warf Tinte und Eier auf das Gemälde. Die zerstörte Leinwand wurde weggenommen und gereinigt. Anschließend wurde sie hinter Glas wieder eingesetzt. Die Royal Academy predigte die Verteidigung der Meinungsfreiheit.

Die Heilige Jungfrau Maria (1996)
Chris Ofili

Es war Chris Ofili, der sich im Zentrum des Sturms in New York befand. Umstritten war Ofili bereits, als auch er 1998 den Turner-Preis gewann. Seine kunstvoll gemusterten Mixed-Media-Werke greifen sein nigerianisches Erbe auf und zeichnen sich durch die Einbeziehung von Elefantenkot aus. Im Mittelpunkt der Empörung stand die Heilige Jungfrau Maria (1996): eine Mischtechnik-Malerei / Collage, die eine schwarze Madonna darstellt, umgeben von Bildern von Gesäß und mit dem allgegenwärtigen Mist versetzt. Ofili hielt sich gut aus dem Streit heraus, da seine Arbeit als blasphemisch eingestuft war. [1]

Und die Liste geht weiter, weil die Show weitergehen muss, oder? Ist es das Ziel der zeitgenössischen Kunst, eine Reaktion zu provozieren, auch wenn es eine hässliche ist? Der Zweck der Kunst war nie nur reine Schönheit oder nur dekorativ. Aber heutzutage ist wahrscheinlich mehr als nur die Kunst mit unseren täglichen Problemen und Problemen, wie Ampeln in unseren Augen, verflochten, um unsere Aufmerksamkeit auf die Gegenwart zu lenken, die wir hier vor uns haben. Manchmal kann zeitgenössische Kunst naiv und farbenfroh sein, aber die meiste Zeit ist es wie eine Glocke, die uns die Botschaft ins Gesicht schlägt: Lebe dein Leben, lass dein Leben nicht dich leben .